Collection: Impressions d'art de Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich est l'un de ces rares artistes dont l'œuvre est si profondément ancrée dans la mémoire visuelle collective d'une culture qu'il est difficile de la regarder encore vraiment sans préjugés. Et pourtant, cela vaut la peine d'essayer, car celui qui regarde vraiment les tableaux de Friedrich se heurte à quelque chose qui échappe finalement à toute tentative de classification et d'explication.

Né en 1774 à Greifswald, sur la côte de la mer Baltique, Friedrich grandit dans un paysage d'Allemagne du Nord qui imprègne toute son œuvre ultérieure : la lumière plate de la côte, l'immensité de la mer, les arbres dénudés dans la lumière de l'hiver, les longues soirées silencieuses du Nord. Il a d'abord été formé à Greifswald, puis à l'Académie des Beaux-Arts de Copenhague, où il s'est familiarisé avec l'observation précise de la nature dans la tradition picturale nordique. Mais c'est à Dresde, où il s'installe, qu'il franchit le pas décisif. D'un solide dessinateur et étudiant de l'observation de la nature, il devient l'un des peintres les plus singuliers et les plus profonds du romantisme européen.

Ce qui rend l'œuvre de Friedrich incomparable dès le début, c'est la radicalité avec laquelle il conçoit le paysage comme support d'une expérience intérieure. Chez lui, la nature n'est jamais une simple nature - elle est toujours aussi un état d'âme, une question, un pressentiment, un seuil. Le spectateur, qu'il tourne le dos à ses personnages et place dans le tableau, est à la fois invité et exclu : Il regarde la même chose que le personnage, mais il ne sait pas ce que celui-ci ressent, et ce non-savoir, ce silence infranchissable entre l'image et le spectateur, est le véritable médium de l'art de Friedrich. La mer de brouillard sous le randonneur solitaire, la croix dans la montagne, la mer Baltique gelée au clair de lune - tous ces éléments ne sont pas des paysages au sens habituel du terme, mais des images d'un état intérieur qui échappe au langage et qui ne peut prendre forme que dans l'image.

Du point de vue stylistique, l'œuvre de Friedrich est d'une précision et d'une clarté qui surprennent d'abord lorsqu'on pense à l'immensité de ses sujets. Son exécution est minutieuse et détaillée, sa palette de couleurs froide et d'une luminosité étrange, qui fait que la lumière de ses tableaux n'est pas chaude et accueillante, mais claire et irréelle. Cette froideur stylistique n'est pas un défaut, mais un programme : elle tient le spectateur à distance et empêche cette appropriation sentimentale à laquelle l'art romantique succombe si facilement. Les tableaux de Friedrich ne sont pas confortables. Ils exigent quelque chose.

De son vivant, Friedrich a connu des phases de reconnaissance et des phases d'indifférence. Dans ses meilleures années, il fut admiré et collectionné, mais vers la fin de sa vie, alors que le mouvement romantique perdait de sa force en Allemagne et que de nouveaux courants attiraient l'attention du monde de l'art, il sombra dans un oubli qui ne fut lentement levé que plusieurs décennies après sa mort. Une attaque cérébrale paralysa sa main droite en 1835 et mit fin en grande partie à son œuvre de peintre à l'huile. Il mourut en 1840 à Dresde, pauvre et oublié.

La redécouverte a été tardive, mais elle a eu lieu avec une force qui montre à quel point son œuvre a touché la corde sensible des générations ultérieures. Aujourd'hui, Caspar David Friedrich est considéré comme l'un des peintres les plus importants du romantisme européen en général, dont les tableaux exposés dans les grands musées d'Allemagne et du monde entier comptent parmi les œuvres les plus regardées et les plus discutées de l'histoire de l'art - non pas parce qu'ils donnent des réponses simples, mais parce qu'ils posent les bonnes questions, encore et encore, avec un silence et une cohérence qu'aucun temps ne peut atténuer.